Музей русского импрессионизма в Москве. 7 картин, которые стоит увидеть

Считается, что в живописи импрессионизм неизбежен. Он всегда приходит на смену классицизму. Он всегда предшествует авангарду. Импрессионизм – это переход от жёстких догм и строгих нравов к свободомыслию и буйству фантазии.

Ярче всего увлечение импрессионизмом прошло во Франции. Все знают импрессионизм американский, английский.

А вот русский импрессионизм прошёл незаметно. Как эпизод. Работ чисто импрессионистских откровенно мало. Скорее есть картины с элементами этого стиля. И таких работ в музее русского импрессионизма около 80.

Музей однозначно интересный. Хотя неожиданный. Нет в России музея русского авангарда. Хотя весь мир знает Кандинского, Малевича. А музей  русского импрессионизма теперь есть.

Вот лишь 7 картин музея, перед которыми однозначно стоит задержаться.

1. Константин Коровин. В парке. 1880 г.

Константин Коровин – импрессионист “до мозга костей”. Он писал картины в этом стиле на протяжении всей своей жизни. Причём пришёл он к этому стилю сам.

Как-то его учитель Василий Поленов воскликнул “А вы, оказывается, импрессионист!” Коровин сильно удивился такому определению. Ведь он никогда до этого работ импрессионистов не видел.

Картина “В парке” создана, когда Коровин ещё был студентом Московского училища живописи. В ней уже прослеживается импрессионистская манера. Написана она широкими мазками. А фигура “не растворяется” в атмосфере лишь за счёт яркой одежды.

Хотя лишь через 3 года он напишет свою знаменитую “Хористку”. Именно эта работа, созданная на открытом воздухе, будет признана первой картиной русского импрессионизма.

О мастере читайте подробнее в статье “Константин Коровин. Наш импрессионист”.

2. Валентин Серов. Окно. 1887 г.

“Окно” Валентина Серова – это этюд. Так художник готовился к созданию картины “У окна” – портрета своей возлюбленной Ольги Трубниковой.

Картина получилась невероятно воздушной и свежей. Она напомнила мне работы Берты Моризо, одной из самых выдающихся женщин-импрессионистов. Она тоже писала в таком этюдном стиле. Милая небрежность и незаконченность только радует глаз. Как будто мы смотрим на окно, а все остальное размывается, так как мы видим это периферийным зрением.

Картина очень согласуется со словами самого Серова “В нынешнем веке пишут все тяжёлое, ничего отрадного. Я хочу, хочу отрадного и буду писать отрадное”.

О главном шедевре мастера читайте в статье «Девочка с персиками. Жизнь и талант Серова в одной картине».

3. Константин Юон. Ворота Ростовского Кремля. 1906 г

Константин Юон был всегда успешен. Уже на студенческих выставках его работы хвалили. Их охотно покупали. На вырученные деньги он путешествовал по Европе. Там он и познакомился с работами Моне, Сислея и Писсарро.

Его Ростовский кремль заполняет все пространство картины. Стены выложены крупными мазками. И он как будто немного не в фокусе. Всем этим он напоминает Руанский собор Клода Моне.

Удивительно, что в зрелые годы Юон, наоборот, будет недолюбливать импрессионистов. И высмеивать тех, кто стремился писать на французский манер, когда по его словам “на Волге рисуется розовая почва, похожую на ту, что на Гаити рисовал Гоген”.

4. Борис Кустодиев. Венеция. 1913 г.

Бориса Кустодиева сложно назвать импрессионистом. Но его роднит с этим направлением присущее ему жизнелюбие. Его картины очень позитивны и красочны.

На картине “Венеция” этот волшебный город изображен ночью. Но даже ночная тьма не затмевает праздника. Салют, огни, толпы людей. Праздник жизни. Радость бытия.

У художника вы не найдёте печальных сюжетов. И сложных вопросов он тоже в своих картинах не задавал.

Поражает то, что Борис Кустодиев был сильно болен. В 1911 году у него обнаружили туберкулёз позвоночника. Болезнь прогрессировала. Но это не лишило его умения радоваться жизни. Наоборот, его картины стали ещё более яркими с момента, когда его парализовало.

5. Пётр Кончаловский. Всякие цветы. 1939 г.

Пётр Кончаловский был жизнерадостным человеком. Он стремился к самым прекрасным проявлениям природы. Поэтому у него так много натюрмортов с цветами.

От его цветов как-будто исходит запах. Настолько естественно он их изображал. Он наслаждался их красотой. И мы вместе с ним. Здесь он очень созвучен Ренуару, который тоже считал, что “боль проходит, а красота остаётся”.

Причем писал натюрморты он очень быстро. Чтобы не упустить впечатление. В этом его тоже можно назвать импрессионистом.

Его жена, дочь великого художника Сурикова, рассказывала, что художник старался писать по одному натюрморту в день. А сам он по этому поводу рассуждал: “Вот пройдёт время и будут мои цветы висеть по разным музеям. И кто-то воскликнет “Кончаловский создавал по натюрморту в день, поэтому так и хорошо!” А кто-то скажет “Поэтому так и плохо!”

6. Игорь Грабарь. Зимний пейзаж. 40-50-ые года 20 века.

Игорь Грабарь был большим почитателем французского импрессионизма. Он даже целых 4 года колесил по Европе в изучении этого направления. Но по возвращении как будто заново полюбил русскую природу. Писал её с упоением. Как он сам признавался, он был ошеломлён русской зимой. Хотел рисовать сверхъестественное дерево, дерево-сказку, берёзу.

Как и импрессионисты, любил работать на открытом воздухе. Даже зимой. Даже в сильный мороз. Только так он мог передать впечатление от увиденного и изобразить прозрачный зимний воздух.

Сравните его работу с зимними пейзажами Клода Моне.

7. Юрий Пименов. Афиши под дождём. 1973 г.

Юрия Пименова роднит с импрессионизмом стремление поймать мгновение жизни. И показать всю красоту даже самого обыденного. Как он сам говорил “За любой вещью, увиденной с душой, встанет красота жизни”.

Его картина “Афиша под дождём” чем-то похожа на работы Эдгара Дега. На ней мы видим как бы “вырванный” из происходящего кусок. Углы обрезаны. Прохожие не умещаются полностью в “кадр”. Голова идущей девушки в правом углу картины как бы едва успела появится, чтобы быть запечатленной художником.

Кстати, афиши – не случайный сюжет для Пименова. Он был признанным сценографом. Работал для Малого театра и Ленкома. Поэтому тема театра и кино ему была близка.

Читайте также статью о другом шедевре Пименова “Новая Москва”.

Коллекция музея – это частная коллекция Бориса Минца. Кто-то фыркнет, что не тот размах. Всего-то 80 работ. Да и то работы не самые краеугольные в творчестве мастеров. Мол, все их главные шедевры давно висят в других музеях.

Время покажет, получится ли размах. А он может получится. Это же не первый музей, который начался с одной частной коллекции. Третьяковская галерея, Национальная галерея Вашингтона или музей Прадо – тоже когда-то были музеями одной частной коллекции. Правда должен пройти не один десяток лет.

Также Вам могут понравится статьи про русских импрессионистов.   Их работы хранятся в музее русского импрессионизма.

“Константин Горбатов. Русские города в стиле импрессионизма”

“Валентина Диффинэ-Кристи. Миражи импрессионизма”

***

Комментарии других читателей смотрите ниже. Они часто являются хорошим дополнением к статье. Ещё вы можете поделиться своим мнением о картине и художнике, а также задать вопрос автору.