Испания может похвастаться гениальными художниками. Но если бы их не было, никто бы не удивился.

Ведь эта страна почти всегда была консервативной. А где чрезмерная моральная косность и уж тем более инквизиция, там новаторы не выживают или просто не рождаются.

Поэтому я всегда поражалась, как эти художники умудрились предьявить миру свои новаторства!

Как Эль Греко обогнал своё время на 300 лет, работая в стиле экспрессионизма. А Веласкес на 200 лет раньше Мане и Моне начал творить в стиле импрессионизма!

Предлагаю пристальнее посмотреть на этих талантливых и гениальных испанцев. 

1. Эль Греко (1541-1614 гг.)

Греческий испанец или испанский грек Доминикос Теотокопулос почти в одиночку провернул испанское Возрождение. Если у итальянцев это была целая плеяда мастеров. То испанцы могут выдохнуть: ренессанс у них тоже был. Благодаря Эль Греко.

Создавая по большей мере религиозные картины, он смело разрушал предложенные каноны.

Достаточно взглянуть на полотно «Снятие одежд с Христа».

Вместо нескольких фигур – целая толпа. Вместо перспективы – непроницаемая стена из персонажей.

Вместо легко читаемых эмоций – сложные чувства. Взгляните хотя бы на непонимающий взгляд Святой Марии. Она как будто не осознала, что сейчас произойдет. Психологи бы это назвали защитной реакцией на сильнейший стресс.

Но Эль Греко этого мало. Через несколько лет он создал ещё более поразительное произведение. Не картина – а вселенная. От мельчайших вышивок-историй в одеянии святых. До четкого разделения мира на две половины: мирскую и небесную.

Это я, конечно, о «Погребении графа Оргаса».

А ещё сразу мы замечаем вытянутые тела. Скорее, такое искажение форм Эль Греко подсмотрел у маньеристов. Хотя бы у того же Пармиджанино. Возможно, ещё наложился опыт создания византийских икон (ведь родом он был с греческого Крита).

Эту особенность со временем он ещё более гипертрофировал. Это четко заметно в его поздней работе «Лаокоон».

Художник интуитивно понимал, что через изменение формы его герои могут рассказать нам о своих чувствах и переживаниях. Ведь они лишены движения.

Заметили, что городской пейзаж на заднем фоне тоже очень необычный? Он скоре близок к Ван Гогу и Сезанну, нежели к эстетике Ренессанса.

Никто до Эль Греко в западной живописи так не искажал формы.  И после него художники стремились к реалистичности пропорций. Поэтому-то и считали его 300 лет чудаком и неумехой.

Его забыли и не вспоминали. И только в конце 19 века до всех дошло, насколько он опередил своё время. Теперь вновь обретённый Эль Греко в истории искусства навсегда.

2. Диего Веласкес (1599-1660 гг.)

Новаторства Веласкеса поражают до глубины души. Мало того, что он жил в очень консервативном обществе, так он ещё был придворным художником!

А это значит, что у него были придирчивые заказчики, которым нет дела до новаторств. Лишь бы было «красиво и похоже». В таких условиях любое новаторство легко чахнет.

Но не у Веласкеса. Каким-то чудом заказчики ему все прощали, видимо, интуитивно понимая, что благодаря этому художнику о них будут помнить и через 500 лет. И они не ошиблись.

Однако даже Веласкесу жестокая инквизиция не собиралась идти на уступки во всем. Писать обнаженную натуру считалось серьезным преступлением.

Все же Веласкесу удалось создать шедевр с прекрасным обнаженным телом даже в таких условиях.

Правда свою прекрасную «Венеру» он написал, будучи в Италии. Потом тайно привёз в Испанию и передал на хранение влиятельному министру. А к нему инквизиция в дом просто так не вламывалась в поисках обнаженки.

Уже по этой «Венере» понятно, чем так выделялся Веласкес. Своей жизненностью. Ведь нет сомнений, что это настоящая женщина. Прекрасная, но настоящая. Настолько ее поза расслаблена и естественна.

Предположительно, это итальянская возлюбленная художника. Он предусмотрительно обезопасил ее, повернув к нам спиной. А лицо отразил в мутном зеркале.

О картине также читайте в статье «Венера» Веласкеса. Богиня или земная женщина?»

Там же в Италии Веласкес написал легендарный портрет Папы Римского Инокентия X.

Веласкесу удалось очень точно передать жесткий и коварный характер Папы.

Казалось бы, 75-летний понтифик предстаёт нам в самом величественном виде. Но колючий волевой взгляд, сжатые губы и ядовитый красный цвет мантии, говорят об истинных ценностях этого человека.

Как же Веласкесу опять удалось добиться жизненности даже в парадном портрете?

Дело в том, что Веласкесу посчастливилось встретить Папу, проходящего по одной из галерей Ватикана. Он шёл в одиночестве и на его лице не было привычной для приемов «маски». Именно тогда Веласкес понял его характер и перенёс своё впечатление на полотно.

Вернувшись из Италии, Веласкес продолжил выполнять обязанности придворного.

Но не подумайте, что Веласкес был несчастлив. Он сам стремился стать художником короля, так как был тщеславен. Поэтому он безропотно писал бесчисленные портреты аристократов, и даже не брезговал выносить за Его Высочеством ночной горшок.

Но среди этих однотипных работ есть крайне необычный портрет королевской семьи: «Менины».

В этой картине заложена очень необычная идея.

Веласкес решил показать нам, как выглядит его мир по другую сторону холста. Мы видим происходящее глазами тех, кто … позирует художнику.

Мы видим, как художник работает над портретом Короля и его супруги. А они стоят на нашем месте (или мы стоим на их месте) и смотрят на художника. И тут в мастерскую зашла принцесса, их дочь, со своей свитой навестить родителей.

Чем-то похоже на «случайные кадры» Эдгара Дега. Когда художник предпочитал писать своих героев не на сцене, а в закулисье.

Ещё одну особенность мы замечаем в «Менинах». Это быстрые, вибрирующие мазки. При этом художник не делает различий между фоном и героями. Все соткано как бы из единой материи. Именно так будут писать импрессионисты 200 лет спустя, тот же Ренуар и Моне.

О картине читайте подробнее в статье «Менины» Веласкеса: о картине с двойным дном».

Да, мастерство не знает границ… не боясь ни инквизиции, ни косной морали. Представляете, что Веласкес мог бы сотворить, если бы жил в более свободную эпоху! В Ренессанс, например.

3. Хосе де Рибера (1591-1652 гг.)

«Маленький испанец» (как его ещё называли) Хосе де Рибера в 14 лет переехал в Италию. Но его живопись всегда оставалась испанской, мало чем похожей на итальянский академизм.

Здесь, в Италии он был поражён живописью Караваджо. И, конечно, не удержался, чтобы не поработать в технике тенебросо. Это когда главный герой находится в темноте и только тусклым светом из неё выхватывается.

Очень уж эта техника Караваджо подходила общему стилю Риберы. Он просто обожал остросюжетные библейские и мифологические истории. И именно тенебросо доводит эту остросюжетность до кульминации.

Его главные герои – это те, кто принимает страдания ради высокой цели. Как, например, Прометей.

От натуралистичности Риберы оторопь берет. И дело не только в очень точной передаче реального тела. А ещё в том, как выглядят раны и как эмоционально на свои страдания реагирует герой.

Дело в том, что Рибера посещал тюрьмы и своими глазами наблюдал пытки осуждённых. Вот такой Дега 17 века. Только Дега ходил в театр за балеринами подсматривать. А этот испанец ходил по местам заключения и выискивал правдоподобие для своих мучеников.

Через какое-то время мастер начинает отходить от караваджизма. Однако борцы за высокие идеалы по-прежнему – главные его герои. И один из таких шедевров – «Мученичество святого Филиппа».

Мы видим святого за несколько секунд до того, как его вздёрнут на дыбу. Ещё нет самого страшного в физическом плане. Но есть возможность сопереживать из-за надвигающегося неизбежного конца и восхищаться смирением святого.

Рибера усиливает драматизм, изобразив мученика строго по диагонали. Его фигура, сухощавая и длинная, еле вмещается в картину. Как будто Гулливер (в духовном плане) попал в плен на растерзание к мелким, жалким людишкам.

Рибера прославился ещё тем, что рисовал людей с аномалиями. Хромоножки, карлики и женщины с бородой – тоже частые герои его картин.

Но не подумайте, что это было его болезненное стремление. Таковы были нравы при дворе. Аристократия любила держать у себя таких людей в качестве шутов и по сути рабов. А художники их рисовали опять же на потеху гостям.

Одна из самых знаменитых таких работ мастера – «Магдалена  с мужем и сыном».

Женщина в 37 лет пережила гормональный сбой, в результате у неё начала расти борода. Заказчик потребовал нарисовать ее с младенцем на руках. Хотя к тому моменту ей было уже за 50. Ее сыновья давно выросли, а грудь явно была не столь пышной. Но младенец и грудь делали эту ошибку природы более красноречивой.

Но в отличие от заказчиков, Рибера лишь сочувствовал таким людям. И глаза несчастной женщины выражают истинное отношение художника к ней.

Об этой картине читайте в статье «Бородатая женщина: аллегория или портрет?»

Такая суровая и правдивая живопись не будет востребована несколько столетий. И вновь станет актуальной лишь в 19 веке: у французских реалистов Курбе и Домье, а также у русских передвижников.

4. Франсиско Гойя (1746-1828 гг.)

Мать Гойи говорила своему сыну «Ты родился не розой, а луком. Луком и помрешь». Это она о строптивом и драчливом характере сына. Да, Франсиско Гойя был очень темпераментным человеком.

Истории о том, как он оставил свою подпись на … куполе собора святого Петра в Риме, а ещё похитил и соблазнил монашку из монастыря – о многом говорят.

Образование он получил поверхностное и всю жизнь писал с ошибками. Но это не помешало ему стать величайшим художником. Он смог добиться почти невозможного.

Он написал обнаженную женщину, но не попался в лапы инквизиции. Впрочем, Веласкес проделал этот трюк первым.

Он умудрялся почти всю жизнь оставаться придворным художником. Но при этом активно высказывал гражданскую позицию в своих работах. А монархи как будто ничего и не замечали.

Он соблазнял одну красивую аристократку за другой, несмотря на плохое здоровье и глухоту.

Это один из самых смелых художников, чья кисть – как меч, а краски – дерзкие слова. Впрочем, в реальных дуэлях и словесных перепалках Гойя тоже участвовал не раз.

Взглянем же на его самые выдающиеся работы.

Думая о Гойе, мы, конечно, сразу вспоминаем его «Маху обнаженную».

Впервые обнажённая натура предстала не как у Веласкеса, украдкой и исподтишка, а во всём своём бесстыдном великолепии. Никакой жеманности, а только чувственность и откровенный эротизм.

О картине читайте также в статье «Маха обнаженная» Гойи. Легенды о модели и заказчике».

Гойя долгое время трудился при дворе, однако, не терпел заискивания и вранья. Достаточно взглянуть на его полотно «Семья короля Карла IV».

Сколько здесь иронии по отношению к монаршим особам! По центру автор изображает королеву Марию, явно намекая, что она, а не Карл правит страной.

Удивительно, как художнику позволили создать такой контраст: между одеянием королевской четы и их лицами! Роскошь и блеск золота не могут скрыть заурядность героев и откровенную «простофильность» короля.

И конечно, нельзя пройти мимо его работы «Расстрел 3 мая». Это картина о героизме простых испанцев во время оккупации наполеоновскими войсками.

В миг перед залпом, каждый из обречённых мятежников выглядит по-своему: кто-то смиренно ждёт, кто-то молится, кто-то плачет.

Но один испанец в белой рубахе готов встретить смерть без страха. Художник поставил его на колени. И если представить, что он встанет, окажется просто великаном. А ружья французских солдат как будто направлены только на него.

Так Гойя впервые показал подвиг и отвагу простого человека. До него героями изображались далеко не простолюдины. Это совершенно новый взгляд на историческую живопись.

Несомненно, Гойя и сегодня поражает свой смелостью, эксцентричностью и гуманизмом. Это был мастер с особым мироощущением.

Он для нас художник особой силы, как духовный лидер. Который не будет льстить властьпредержащим, не будет игнорировать героизм простого человека, и не будет отворачиваться от красоты, даже если она считается греховной и низменной.

5. Пабло Пикассо (1881 – 1973 гг.)

Пикассо считается самым знаменитым художником в мире. Правда большинство знает его, как кубиста. Хотя в стиле чистого кубизма он работал недолго. Он был и экспрессионистом, и сюрреалистом. Это был художник-хамелеон.

На самом деле не важно, в каком стиле он работал. Главная его особенность – это многочисленные эксперименты с формой. Он мял форму, вытягивал ее, сжимал, крошил и показывал со всех сторон.

Начал он с осторожных экспериментов, подражая Эль Греко. Именно у него он подглядел деформированные формы. И так же, как Эль Греко, вытягивал свои фигуры во время своего голубого периода. Как, например, на картине “Две сестры”,

Но он идёт дальше. И на этот раз его учителем становится Сезанн.

Сезанн искал в цвете, форме и перспективе возможности выразить суть вещи. Пикассо с помощью кубизма довел эту идею до конца.

С помощью разных углов зрения и элементов предмета он пытался запустить ассоциативный ряд у зрителя: показать суть вещи, а не ее изображение. 

На картине «Груша» мы НЕ видим изображение груши. Но мы видим кусочки холста в крапинку: у нас идёт воспоминание о подобной текстуре грушевой мякоти. Нежный бежевый и коричневый тоже ассоциируются с грушей. Уже не говоря о характерной дуге. 

Все эти обрывки образа груши и вызывают у нас не только зрительное воспоминание о груше, но и о ее вкусе, и том, какая она на ощупь.

Именно эта концепция выражения сути, а не изображения – ведущая в живописи Пикассо. Даже когда он отойдёт от типичных «кубиков» и будет писать в стиле, близком к сюрреализму. 

 К таковым относятся портреты Марии-Терезы Вальтер.

Во время изматывающего и разрушающегося брака с Хохловой Пикассо случайно встретил юную Марию-Терезу. 

Он всегда изображал ее красочной и волнистой, с элементами кубизма. Ведь её лицо показано одновременно с двух точек зрения: и в профиль, и анфас.

Тем самым он выворачивает наизнанку всю ее чувственность и нежность, крайнюю женственность. И это несмотря на то, что в ее фигуре было что-то мужеподобное. Но ведь формы для того, чтобы подчеркнуть суть, а не изобразить внешнюю оболочку модели.

Пикассо – великий экспериментатор. Главная его подопытная – это форма. Она повергалась изменениям в огромном количестве работ художника. Ведь он был ещё и одним из самых плодовитых художников на свете. Как он сам говорил о себе: «Дайте мне музей, и я заполню его своими картинами».

Еще об одном шедевре мастера читайте в статье «Девочка на шаре» Пикассо: о чем рассказывает картина».

Пять великих живописцев, пять испанцев являются одними из создателей современного искусства. Несмотря на то, что большинство из них жило 200-300 лет назад.

В их творчестве черпают вдохновение современные художники. Они дают импульс, который до сих пор подпитывает мировую культуру.

Нам остаётся быть благодарными, хранить их наследие и, конечно, восхищаться.

***

Комментарии других читателей смотрите ниже. Они часто являются хорошим дополнением к статье. Ещё вы можете поделиться своим мнением о картине и художнике, а также задать вопрос автору.