Галерея искусства Европы и Америки в Москве. 6 картин, которые стоит увидеть

Это статья для тех, кто собирается в Пушкинский музей НЕ в первый раз. Вы уже видели самые главные шедевры Галереи искусств стран Европы и Америки (которая является частью Пушкинского музея и находится в отдельном здании на Волхонке, 14 в Москве). И “Голубых танцовщиц” Дега. И “Жанну Самари” Ренуара. И знаменитые “Кувшинки” Моне.

Теперь пришло время изучить коллекцию поглубже. И обратить внимания на менее раскрученные шедевры. Но все же шедевры. Все тех же великих художников.

И даже тех, кого в первое посещение музея вы обошли стороной. Вряд ли вы тогда остановились перед “Девушками на мосту” Эдварда Мунка. Или “Джунглями” Анри Руссо. Познакомимся и с ними поближе.

1. Франсиско Гойя. Карнавал. 1810-1820 гг.

В России хранится лишь три картины Франсиско Гойи. Две из них – в Пушкинском музее (Третья картина, “Портрет актрисы Антонии Сарате” – в Эрмитаже. Поэтому стоит рассмотреть одну из них. А именно “Карнавал”.

Она мало известна зарубежом. Однако очень гойевская. В его духе. Зловещая, насмешливая. Карнавал происходит днём. Но такое ощущение, что на картине ночь. Настолько пугающими кажутся “празднующие” люди. Как будто это пьяницы и бандиты под утро вышли дебоширить.

Это, пожалуй, самый мрачный карнавал когда-либо написанный. Такая мрачность была свойственна всем поздним работам Гойи. Даже на более красочных заказных работах он мог изобразить предвестники плохого.

Так, на портрете сына аристократов он изобразил кошек со злыми глазами. Они олицетворяют мировое зло, которое так и норовит завладеть невинной душой ребёнка.

2. Клод Моне. Сирень на солнце. 1872 г.

“Сирень на солнце” – само воплощение импрессионизма. Яркие цвета. Блики света на одежде. Контраст света и тени. Отсутствие точных деталей. Изображение словно через пелену.

Если вы любите импрессионизм, именно по этой картине вы точно поймёте, почему.

Маленькими детьми мир воспринимается без деталей, как сквозь толщу воды. По крайней мере, так описывают свои воспоминания люди, помнящие себя в 2-3 года. В этом возрасте мы все оцениваем гораздо эмоциональнее. Поэтому работы импрессионистов, особенно Клода Моне вызывают у нас эмоции. Чаще приятные, конечно.

“Сирень на солнце” не исключение. Вам не важно, что лиц сидящих женщин под деревьями не видно. А уж тем более безразличен их социальный статус и тема разговора. Вас захлестнут эмоции. Желание что-либо анализировать не проснётся. Потому что вы, как в детстве. Радуетесь. Грустите. Вам нравится. Вы переживаете.

Читайте ещё об одной замечательной работе Моне в Пушкинском “Бульвар Капуцинок. Необычные факты о картине”.

3. Винсент Ван Гог. Портрет доктора Рея. 1889 г.

Ван Гог в последние годы жизни был полностью во власти цвета. Именно в это время он создаёт свои знаменитые “Подсолнухи”. Даже портреты его очень яркие. Не исключение – “Портрет доктора Рэя”.

Синий пиджак. Зелёный фон с желто-красными завитками. Слишком необычно для 19 века. Конечно, доктор Рэй подарок не оценил. Он воспринял его как нелепую картину душевнобольного пациента. Забросил её на чердак. Потом и вовсе прикрывал им дыру в курятнике.

На самом деле такой фон Ван Гог написал сознательно. Цвет был его иносказательным языком. Завитушки и яркие краски – это эмоции благодарности, которые испытывал художник к доктору.

Ведь именно он помогал Ван Гогу справляться с приступами душевной болезни после знаменитого события с отрезанным ухом. Доктор даже хотел пришить мочку уха художника. Но ее слишком долго доставляли в больницу (Ван Гог вручил своё ухо проститутке со словами “Это может вам пригодиться”).

О других работах мастера читайте в статье «5 шедевров Ван Гога».

4. Поль Сезанн. Персики и груши. 1895 г.

Поль Сезанн объявил бойкот фотографичности изображения. Так же, как и его современники импрессионисты. Только если импрессионисты изображали мимолётное впечатление, пренебрегая деталями. Сезанн же видоизменял эти детали.

Это хорошо видно на его натюрморте “Персики и груши”. Всмотритесь в картину. Вы найдёте очень много искажений реальности. Нарушений законов физики. Законов перспективы.

Художник передаёт свой собственный взгляд на действительность. Она субъективна. И смотрим мы на один и тот же предмет в течение дня под разным углом. Вот и получается, что вроде стол показан сбоку. А столешница изображена почти сверху. Она как будто опрокидывается на нас.

Посмотрите на кувшин. Линия стола слева и справа от него не совпадают. А скатерть и вовсе как будто “перетекает” в тарелку. Картина похожа на головоломку. Чем дольше смотришь, тем больше находишь искажений реальности.

Уже рукой подать до кубизма Пикассо и примитивизма Матисса. Именно Сезанн является их главным вдохновителем.

5. Эдвард Мунк. Девушки на мосту. 1902-1903 гг.

Фирменный стиль Эдварда Мунка сформировался под влиянием Ван Гога. Так же, как и Ван Гог, он с помощью цвета и простых линий выражает свои эмоции. Только Ван Гог больше изображал радость, восторг. Мунк – отчаяние, меланхолию, страх. Как на серии картин “Крик”.

“Девушки на мосту” созданы после знаменитого “Крика”. Они похожи. Мост, вода, небо. Те же широкие волны краски. Только в отличие от “Крика” эта картина несёт положительные эмоции. Получается, что художник не всегда был во власти депрессии и отчаяния. Иногда сквозь них пробивалась и надежда.

Картина написана в городке Осгардстран. Его художник очень любил. Сейчас в нем все по-прежнему. Если вы туда приедите, то найдёте тот же мост и тот же белый дом за белым забором.

6. Пабло Пикассо. Скрипка. 1912 г.

Пикассо за свою жизнь успел поработать в разных направлениях. Хотя многие знают его как кубиста. “Скрипка” – одна из самых ярких его кубистских работ.

Скрипку Пикассо полностью “разобрал” на части. Одну часть вы видите под одним углом, другую – совсем под другим. Художник как бы затеял с вами игру. Ваша задача – в уме сложить разные части в единый предмет. Вот такой живописный ребус.

Очень скоро Пикассо помимо холста и масляных красок начнёт использовать куски газеты, дерева. Это уже будет коллаж. Такая эволюция не удивительна. Ведь в 20 веке с помощью технологий так легко увидеть и даже иметь репродукцию любого произведения. И лишь сделанная из кусочков разного материала работа становится неповторимой. Её уже так просто не размножить.

Об ещё одном шедевре мастера, который хранится в Пушкинском, читайте в статье «Девочка на шаре» Пикассо. О чем рассказывает картина».

Если вам захотелось посетить Пушкинский музей ещё раз, значит я достигла своей цели. Если вы там ещё ни разу не были, начните изучение его шедевров со статьи “7 картин Пушкинского музея, которые стоит увидеть”.

***

Комментарии других читателей смотрите ниже. Они часто являются хорошим дополнением к статье. Ещё вы можете поделиться своим мнением о картине и художнике, а также задать вопрос автору.